Wie wichtig ist Raumakustik wirklich – und warum bringt dich dein Studio beim Mixing manchmal in die Irre?

In dieser Episode sprechen wir mit Lukas Rimbach und Paul Linke von GIK Acoustics über die größten Missverständnisse rund um Raumakustik, typische Probleme in Home- und Projektstudios und darüber, wie man sie praxisnah in den Griff bekommt.

In „3 Fragen an…“ bekommst du einen kompakten Einblick in die wichtigsten Themen der Raumakustik für Tonstudios.

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Was macht Synthesizer zur Legende? Warum klingt ein Minimoog bis heute anders als seine Software-Emulation? Weshalb hat der Juno 60 einen Sweet Spot, der sich nicht programmieren lässt? Und warum ist der Yamaha CS-80 eher ein Performance-Instrument als ein klassischer Synth?

In Teil 1 unseres Gesprächs mit Michael Soltau (Filmmusik u. a. Notruf Hafenkante) und Stephan Bobinger vom Synthesizer Studio Berlin geht es um analoge Synthesizer als echte Instrumente. Wir sprechen über Haptik, subtraktive Synthese, musikalische Entscheidungsprozesse und darüber, warum Hardware das Denken verändert.

Mit dabei: Minimoog, Juno 60, Oberheim Matrix 12 und Korg PS-3300 – und die Frage, warum manche Instrumente Jahrzehnte überdauern.

Teil 2 mit direkten Hardware-vs.-Software-Klangvergleichen erscheint in der nächsten Folge!

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Vom Allrounder zum Spezialisten – und warum genau das der Schlüssel zu einem erfolgreichen Studio sein kann.

In dieser Episode sprechen wir mit Andreas Mayer vom Audiobloom Studio darüber, wie er den Schritt vom Vollzeitlehrer in die Selbstständigkeit gewagt hat – und warum es nicht gereicht hat, einfach „alles anzubieten“. Stattdessen hat er sein Studio konsequent neu ausgerichtet: weg vom Bauchladen, hin zu einer klaren künstlerischen Vision.

Heute produziert Andreas vor allem Singer/Songwriter im Bereich Akustik-Pop und Folk – und begleitet sie vom ersten Songwriting bis zur fertigen, release-bereiten Produktion. Dabei geht es nicht nur um Recording und Mixing, sondern um ein ganzheitliches Erlebnis: Künstler reisen an, leben für ein paar Tage im Studio und arbeiten gemeinsam mit eingespielten Session-Musikern an ihren Songs.

Wir sprechen über den Weg dahin, die Rolle von Spezialisierung, den Aufbau eines funktionierenden Netzwerks – und warum Erfolg im Studio nichts ist, das einem einfach zufällt.

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Warum klingen viele Produktionen trotz viel Aufwand immer noch wie Demos – und was unterscheidet sie wirklich von Songs, die auf internationalem Level funktionieren?

Genau darüber spreche ich heute mit Dom Rivinius, der unter anderem an Songs für Taylor Swift, Eminem und Alicia Keys gearbeitet hat.

Wir gehen drei zentrale Fragen durch, die dir helfen zu verstehen, wie du deine eigenen Songs auf ein kommerzielles Level bringen kannst.

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Was macht einen Synthesizer heute wirklich zeitgemäß? Reicht Klang – oder entscheidet längst das Interface? In dieser Episode sprechen Steve Baltes, Michael Menze und Klaus Baetz darüber, was moderne Synthesizer neu macht: warum Bedienbarkeit zur Königsdisziplin geworden ist, wie Arturia historische Klassiker in ein funktionierendes Produktions-Ökosystem übersetzt und weshalb der ASM Leviasynth algorithmische Synthese neu definiert.

Es geht um Legenden wie Jupiter-8 und DX7, um Emulation versus Original – und um die Frage, wann ein Instrument nicht nur funktioniert, sondern inspiriert.

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Warum klingen viele Produktionen selbst nach stundenlangem Mixing immer noch wie Demos? In dieser Episode sprechen wir mit Producer und Audio Engineer Arne Schumann darüber, warum der Schlüssel zu einem professionellen Sound nicht im Mix liegt – sondern im Recording.

Arne erklärt, wie du schon während der Aufnahme die entscheidenden Weichen stellst, um deinen Mix zu 80% fertigzustellen – ganz ohne Plug-in-Overload. Es geht um klare Soundentscheidungen, besseres Monitoring, Kommunikation mit Musikern und darum, wie du unnötige Korrekturen im Mix vermeidest.

Du erfährst, warum gute Aufnahmen mehr mit Haltung als mit Technik zu tun haben, wie du Musiker zu besseren Performances bringst und weshalb weniger Optionen oft zu besseren Ergebnissen führen.

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In dieser Studiosofa-Episode sprechen wir über die Produktion moderner Trap- und HipHop-Beats. Zu Gast ist Tobias Strauch, Produzent und Mitgründer von MediaApe. Tobias erzählt von seinem Weg von der SAE-Ausbildung über Sounddesign und Radioproduktion bis zum eigenen Studio. Außerdem sprechen wir über Beatproduktion im Urban-Genre, Social Media als Plattform für Producer und über 135 Song-Releases mit verschiedenen Künstlern. Eine Folge für alle, die sich für moderne Beatproduktion, Trap-Sounds und aktuelle Producer-Workflows interessieren.

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In dieser Folge sprechen wir mit dem Filmmusik-Komponisten Frank Schreiber, der sich vor Kurzem ein eigenes Dolby-Atmos-Studio aufgebaut hat. Frank gibt spannende Einblicke in die technischen und kreativen Entscheidungen hinter seinem neuen Setup – von den ersten Überlegungen beim Umbau bis zu den Anforderungen, die Filmmusik im immersiven Format mit sich bringt. Er erzählt, warum ihn Atmos sofort begeistert hat, welche Herausforderungen beim Umstieg von 5.1 auf 7.1.4 auftauchen und warum für ihn schnell klar war, dass ein professionelles System nur mit genügend Headroom und absoluter Präzision funktioniert.

Eine zentrale Rolle spielte dabei der französische Hersteller Focal, der seit 1979 alle Studio-Monitore und Kopfhörer in den eigenen Werkstätten in Saint-Étienne entwickelt und weltweit für akustische Kompetenz und innovative Technologien steht. Mit drei Focal Trio11 Be, vier Solo6 ST6, Shape 50 an der Decke und zwei Sub One hat Frank ein Setup geschaffen, das die Dolby-Spezifikationen nicht nur erfüllt, sondern in seiner täglichen Arbeit neue Maßstäbe setzt.

Viel Spaß beim Interview!

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