Georg Baselitz est un artiste peintre et sculpteur allemand né en 1938 sous le régime nazi. Sa jeunesse est marquée par la guerre, la destruction de sa ville natale, Dresde, et la division du monde. Tiraillé entre figuration et abstraction, Georg Baselitz cherche sa voie : il découvre les peintres abstraits occidentaux qui l’inspirent mais auquel il aura du mal à se rallier. Ce sont les courants conceptuels et maniéristes qui l’influencent, l’amenant peu à peu à développer un style qui lui est propre : entre distorsion, déconstruction des iconographies et retournement. Il rompt avec toute représentation stricte de la réalité et s’éloigne du sujet pour interroger notre rapport à l’histoire, jusqu’à opter pour un style expressionniste lui permettant d’évoquer son passé, entre introspection et destruction.

Ressources et archives :

• Archive INA / N° de notice : AFE08001371 / Titre : Vienne : Entrée d'Hitler à Vienne après l'Anschluss en 1938
• Archive INA sur le bombardement de Dresde / N° de notice : I22077326 / Titre : Bombardements meurtriers à Dresde / Titre de l'émission : Journal Les Actualités Françaises / Date de 1re diffusion : vendredi 02/03/1945
• Archive INA / Emission Hors Champ du 28 novembre 2013
• Archive INA / N° de notice : I13154339 / Titre : La construction du mur de Berlin
• Archive INA / N° de notice : CAG05097432 / Titre : Mur destruction / Date de 1re diffusion : samedi 11/11/1989
• Archive INA / Extrait interview / Georg Baselitz dans “L’Heure Bleue”

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Ça a commencé comme ça est un podcast co-produit par Binge Audio et Bourse de Commerce – Pinault Collection. Écriture : Caroline Halazy. Incarnation et interprétation : Zita Hanrot. Production et édition : Juliette Livartowski et Camille Khodor. Réalisation et mixage : Elisa Grenet. Musique originale : Nicolas Olier. Identité graphique : Upian. Direction de production : Albane Fily. Direction des programmes : Joël Ronez. ÉQUIPE BOURSE DE COMMERCE - PINAULT COLLECTION : Margaux Brisson, Hélène Boubee, Nicolas-Xavier Ferrand.

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Niki de Saint Phalle est une artiste plasticienne de l’avant-garde. Elle naît en 1930 dans une famille aristocrate française expatriée aux Etats-Unis. Très jeune, elle se rebelle et cherche à se différencier, notamment de sa mère, enfermée dans son rôle de mère et d’épouse. Mais sa volonté d’émancipation et son statut d’artiste ne l’empêcheront pas de se heurter à la violence et aux inégalités que subissent les femmes de son époque. De cette violence naîtra son art. Un art radical et engagé qui vient questionner la condition des femmes au travers de sculptures immenses, les Nanas, ou d’installations radicales comme les Tirs. Niki de Saint Phalle a aussi pour volonté de concevoir des œuvres accessibles à tous·tes et immersives qui interrogent et transforment le regard. Après une carrière florissante et très médiatisée, elle laisse derrière elle des ouvrages monumentaux symboliques de sa liberté de créer.

Ressources et archives :

• Extrait Archive / Film sur « Hon », 1966
• Archive INA Radio / A voix Nue « Les couleurs du merveilleux »
• Archive INA Radio / A voix Nue « L’expérience du rire »
• Archive INA / "Tirs" de Niki de St Phalle / Emission « L'avant garde »

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Est-ce qu’une œuvre d’art peut bouleverser profondément une personne, au point qu’elle oriente sa vie, ses choix, son futur ?

Arthur Jafa est un artiste plasticien africain-américain né en 1960 dans le Mississippi, un état ségrégationniste où la révolte pour les Droits Civiques gronde et ne se fait pas sans heurts. Très tôt, le jeune Arthur se passionne pour les arts visuels, et notamment les films de Stanley Kubrick qui attisent sa curiosité et nourrissent ses obsessions pour les images. La projection de 2001, l’odyssée de l’espace à l'âge de 10 ans constituera l’expérience fondatrice qui influencera tout son parcours d’artiste. Il opte naturellement pour des études de cinéma qui le mèneront vers le métier de Directeur de la photographie mais surtout vers une prise de conscience identitaire. Une question le taraude : quel est l’apport de la culture noire au cinéma ? Ses oeuvres filmiques faites de montages vidéo apporteront une réponse. Pour lui, le « cinéma noir » existe bel et bien. Il a cette capacité à transmettre l’histoire d’un peuple, sa souffrance et son aliénation. Par la suite, Jafa fera également de la sculpture ou des œuvres hypnotiques puissantes dans lesquelles transparaissent ses questionnements sur l’identité noire dans toute sa complexité et pour lesquelles il continue de recevoir un grand succès critique.

Ressources et archives :

• INA : "2001, Odyssée de l'espace" / Cinéma critique : émission du 18 octobre 1968
• INA : "États-Unis : la guerre de sécession n'est pas finie" / Cinq colonnes à la une / Date de 1re diffusion : vendredi 05/10/1962
• Extrait de la bande-annonce du film Eyes wide shut
• Extrait de l'oeuvre "Love is the message, the message is death" d'Arthur Jafa
• Extrait de la bande-annonce du film Taxi driver

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A quel point la vie et l’art s’entremêlent ? Marisa Merz et Mario Merz sont deux artistes italiens nés dans les années 20. Ils seront tous les deux des figures de proue de l’Arte Povera, ce courant italien qui redessine les contours de l’art en opposition au pop art ou au minimalisme américain notamment. Pendant plus de quarante ans, ils feront de leur vie personnelle une œuvre à part entière. 1960 est une année symbolique; elle scelle leur union amoureuse et le début de leur collaboration artistique. La spécificité de leur travail ? Questionner l'essence et les limites de l'art et mélanger les univers comme le fait Marisa en créant à partir de son expérience domestique et Mario en transposant la suite mathématique de Fibonacci à ses œuvres. Le duo s’interroge également sur le rôle de la matière au travers de gestes artistiques renouvelant des motifs comme l'édification d’igloos en verre ou en ardoise. Si certaines de leurs œuvres intriguent, l'amour qui transparaît semble lui comme une évidence.

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Giuseppe Penone, figure emblématique de l'Arte Povera, transforme les matériaux naturels en véritables récits poétiques. Né en 1947 à Garessio, en Italie, il s’attache à révéler la beauté essentielle du monde qui nous entoure. Ses œuvres mettent en lumière la connexion profonde entre l’humain et la nature, explorant des thèmes comme la transformation, la mémoire et le dialogue entre l'art et le vivant. Penone transcende le visible pour nous inviter à une méditation sur le temps et l’essence même de la matière. Une façon de faire un avec le monde végétal ; de travailler avec la nature, sans la dominer.

Retrouvez ici l’interview de Giuseppe Penone à la Bourse de Commerce

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Peut-on faire de l’art à partir du vivant ?

Né en 1936 au Pirée, en Grèce, Jannis Kounellis est l’un des piliers de l’Arte Povera, courant artistique italien majeur des années 1960, qui signifie littéralement : « art pauvre », pour désigner le dépouillement volontaire que pratiquent ces artistes. En utilisant des matériaux modestes et accessibles comme le charbon, le fer, la toile de jute et des objets trouvés, Kounellis revendique un art libéré, ancré dans le réel et à la portée de tous. Toute sa vie, Kounellis aura pensé l’art comme un acte brut et poétique, porteur de réflexion sociale et politique, loin des dynamiques capitalistes qui entourent nos sociétés. En 1969, sa célèbre installation à la galerie L’Attico de Rome, où il expose douze chevaux vivants, devient une œuvre manifeste, interrogeant la relation entre l’homme, la nature et la matière, et illustrant son engagement pour un art authentique, provocateur et profondément humain.

Archives :

• INA / Athènes est libre
• INA / Manifestations aux USA contre la guerre au Vietnam : anti-ségrégationnistes et pacifistes
• Journal de Paris / Musée Arts Décoratifs exposition quatre artistes italiens, 1969
• Interview by Marc-Christoph Wagner, 2015

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L’art permet-il de trouver sa place ?

Né en 1926 à Antigua, île des Caraïbes colonisée par les Anglais dès le XVIIe siècle, Frank Walter est à la fois descendant de colon et d’esclave. Son œuvre riche et variée faite de peintures, de photos, de sculptures ou de poèmes, reflète son histoire, sa vie intérieure troublée et sa quête d’identité raciale. Agé de 27 ans, il se rend en Europe, la terre de ses ancêtres, où il se confronte frontalement au racisme de son oncle, bourgeois et blanc de peau. Ce rejet brutal génère en lui une réflexion obsessionnelle sur sa double identité, à la fois source de ses tourments et moteur de sa créativité. Sans jamais avoir suivi de cursus artistique, il peint, photographie, sculpte, écrit, en s’inspirant de son île, de ses origines, et de ses états psychiques. Tout croiser, interconnecter, c’est sans doute la spécificité de cet artiste en pleine désillusion sentimentale, artistique et identitaire, qui resta méconnu jusqu’à sa mort en 2009. Aujourd’hui reconnu et célébré dans le monde de l’art contemporain, il apparaît à certains comme un visionnaire, un génie dont la voix d’expression reflète tout un pan de la grande Histoire.

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Est-ce l’originalité qui fait l'œuvre d’art ? Et peut-on considérer le copieur comme un véritable artiste ?

La « copieuse » en question, c’est Elaine Sturtevant, une artiste conceptuelle américaine née dans le nord des Etats-Unis en 1924. Après des études de psychologie, Sturtevant se lance dans un travail de reproduction d'œuvres contemporaines. Elle s’intéresse aux fondateurs du Pop art : Robert Rauschenberg, Jasper Johns et, bien sûr, Andy Warhol. C’est au début des années 60 que sa carrière démarre véritablement, et ce de manière subversive. Elaine conçoit ce qu’elle nomme des « répliques », c’est-à-dire des reproductions quasi exactes, de mémoire, d'œuvres originales juste après leur présentation au public et en suivant les mêmes techniques artistiques. Parmi les plus connues figurent « Deux » de Jasper Johns, les « Flower Paintings » ou le diptyque de Marilyn d’Andy Warhol. Ce qui lui vaudra de nombreuses critiques et intimidations. Mais est-ce bien de l’art ? Pour Elaine, c’est toute la question. Son travail vise avant tout à interroger la notion d’originalité et de propriété artistique. En recopiant les gestes, elle cherche à prouver que l'œuvre ne dépend pas uniquement d’un style reconnaissable. Mais la réplique ne pouvant être parfaite, quel statut lui donner alors ?

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